Ophelia by John Everett Millais (London, UK — 1852)

John Everett Millais steht 1852 in seinem Londoner Atelier vor seinem vollendeten Meisterwerk „Ophelia“. Das Gemälde mit den Maßen sechsundsiebzig Komma zwei mal einhundertelf Komma acht Zentimeter (dreißig mal vierundvierzig Zoll) befindet sich heute in der Tate Britain. Seine Entstehung war von Kontroversen geprägt: Elizabeth Siddal, das Modell, zog sich eine schwere Erkältung zu, als sie stundenlang in einer gefüllten Badewanne lag, um den realistischen Schwebeeffekt zu erzielen. Dieses Engagement für den Realismus hätte sie beinahe das Leben gekostet. „Millais seufzt und tritt zurück. ‚Endlich fertig, nach all diesen Monaten. Ich hoffe, sie sehen die Wahrheit darin – die Schönheit in dem, was der Dichter schrieb und die Natur zeigt.‘ Er flüstert: ‚Arme Lizzie, aber… so viel Hingabe an die Kunst.‘“ Kunst-Fakt: Ophelia, John Everett Millais, achtzehnhundertzweiundfünfzig. Öl auf Leinwand. Tate Britain, London.

Millais versammelt sich zusammen mit Dante Gabriel Rossetti und William Holman Hunt in Rossettis Atelier, einem Zentrum künstlerischer Innovation. Sie debattieren über die Prinzipien ihrer neu gegründeten Präraffaelitischen Bruderschaft. Ihr Streben nach Wahrheit und Naturtreue sollte ihren künstlerischen Ansatz definieren, einschließlich des Strebens nach minutiöser Detailgenauigkeit in der Malerei. „Rossetti gestikuliert energisch. ‚Wir müssen die Künstlichkeit der Royal Academy ablehnen! Wir müssen zur Aufrichtigkeit der frühen italienischen Kunst zurückkehren, bevor Raffael alles mit seinem Manierismus verdorben hat!‘ Millais nickt: ‚Ja, wir müssen malen, was wir wirklich sehen, mit unerschütterlicher Ehrlichkeit.‘ ‚Malen wir, als wären wir frühe italienische Maler!‘ rief Hunt aus.“ Kunstfakt: Die Präraffaelitische Bruderschaft versuchte, die Kunst zu reformieren, indem sie den ihrer Meinung nach mechanistischen Ansatz ablehnte, der von manieristischen Künstlern, die Raffael und Michelangelo nachfolgten, übernommen wurde.

Millais sucht nach dem idealen Ort, um den Hintergrund von „Ophelia“ zu malen. Er entscheidet sich für einen Abschnitt des Hogsmill River in der Nähe von Ewell in Surrey, England. Er verbringt unzählige Stunden damit, das Laub, die Felsen und das Wasser mit akribischer Genauigkeit darzustellen, wobei er gegen Insektenschwärme und unvorhersehbares Wetter ankämpft. „Millais kneift die Augen zusammen und skizziert schnell. ‚Die Details hier... exquisit! Aber diese Fliegen machen mich verrückt!‘ Er wischt sich die Stirn. ‚Dennoch ist diese Naturtreue von größter Bedeutung. Erinnern Sie sich, was Leonardo da Vinci sagte: ‚Die Malerei umfasst alle zehn Funktionen des Auges; das heißt: Dunkelheit, Licht, Körper und Farbe, Form und Ort, Entfernung und Nähe, Bewegung und und Ruhe.‘“ Kunstfakt: Millais verbrachte bis zu elf Stunden am Tag über fünf Monate damit, die Landschaft für „Ophelia“ fertigzustellen, bevor er überhaupt mit dem Malen der Figur begann.

Elizabeth Siddal posiert Millais als Ophelia. Um den gewünschten Effekt zu erzielen, liegt sie trotz der kalten Temperaturen in einer mit Wasser gefüllten Badewanne. Millais stellt Öllampen unter die Wanne, um das Wasser warm zu halten, aber diese versagen schließlich, und Lizzie erträgt stundenlanges, eisiges Unbehagen. „Lizzie zittert, ihre Zähne klappern. ‚John, bist du sicher, dass das nötig ist? Ich spüre meine Zehen nicht mehr!‘ Millais runzelte die Stirn. ‚Fast fertig, Lizzie, fast! Die Komposition wird erhaben sein, versprochen. Das Leiden wird sich für die Schaffung von Schönheit lohnen.‘“ Kunstfakt: Elizabeth Siddals Hingabe an den Realismus führte zu einer schweren Erkältung und trug möglicherweise zu ihren späteren Gesundheitsproblemen bei.

Millais malt jede Blume in „Ophelia“ akribisch und verleiht ihnen symbolische Bedeutungen, die Shakespeare und der Blumensprache entlehnt sind. Die Mohnblumen stehen für den Tod, die Stiefmütterchen für unerwiderte Liebe und die Veilchen für Treue. Dies verleiht dem Gemälde zusätzliche Ebenen an Tiefe und Bedeutung. „Millais berührt seinen Pinsel vorsichtig. ‚Jede Blume erzählt einen Teil der Geschichte… ein subtiles Flüstern für diejenigen, die zuzuhören wissen. Shakespeare webte solche Schichten in seine Werke, so werde ich es auch tun. Ophelias Geschichte ist von Tod und unerwiderter Liebe geprägt, während die Blumen die Szene und die Geschichte malen.‘“ Kunstfakt: Die Blumen in „Ophelia“ sind nicht nur dekorativ; jede trägt eine spezifische symbolische Bedeutung, die die Themen des Gemäldes verstärkt.

Als „Ophelia“ in der Royal Academy ausgestellt wird, erhält es gemischte Kritiken. Einige Kritiker loben Millais’ technisches Können und seine Naturtreue, während andere den präraffaelitischen Stil als zu unkonventionell und das Thema als morbide empfinden. Charles Dickens hasste das Gemälde besonders, vor allem das Aussehen des Modells, das er als „Milchmädchen“ beschrieb. Ein Kritiker spottet und zeigt auf die Leinwand. „Solch übermäßige Details! Es fehlt die Größe wahrer Kunst. Die Bruderschaft kümmert sich nicht darum, was als wahre Kunst gilt, wie Oscar Wilde sagte: ‚Ich bin prinzipiell immer zu spät, mein Prinzip ist, dass Pünktlichkeit der Dieb der Zeit ist.‘“ Ein anderer nickt ihm zustimmend zu. Kunstfakt: „Ophelia“ spaltete zunächst die Kritiker und verdeutlichte die Herausforderung der Präraffaeliten an etablierte künstlerische Konventionen.

Trotz der Kritik hält Millais an seiner künstlerischen Vision fest. Er glaubt an die Bedeutung, Wahrheit und Schönheit darzustellen, auch wenn dies bedeutet, traditionelle Standards herauszufordern. Die Präraffaelitische Bruderschaft kämpft weiterhin für ihre Ideale. „Millais antwortet einem Kritiker ruhig. ‚Wir suchen nicht zu schockieren, sondern die Welt so darzustellen, wie wir sie sehen, mit Ehrlichkeit und Präzision. Unsere Schönheit kommt aus der Realität. Wenn andere sie nicht sehen, dann sind es ihre Gedanken, die getrübt sind, nicht meine Leinwand.‘“ Kunstfakt: Millais und die Präraffaeliten hielten trotz früher Kritik durch, angetrieben von ihrem Engagement für ihre künstlerischen Prinzipien.

Kunstkritiker begannen, die Symbolik hinter dem präraffaelitischen Werk zu analysieren und wie Millais diese nutzte, um die Geschichte von Ophelias Tod und emotionalem Zustand zu vermitteln. Sie beschreiben die Lilien und die Weiden, die sie umgeben. „Der Kunstkritiker betrachtet die Leinwand genau. ‚Die Lilie repräsentiert ihre Reinheit und ihr Schicksal. Die Weiden ihre verlassene Liebe. Es ist wirklich ein bemerkenswerter Ausdruck von Trauer und Herzschmerz. Der Detailgrad macht es erstaunlich.‘“ Kunstfakt: Millais vermittelte Ophelias tragische Geschichte erfolgreich sowohl durch seinen lebendigen Realismus als auch durch die komplexe Symbolik, die in den Blumen und der Landschaft eingebettet ist.

Im Laufe der Zeit erlangt „Ophelia“ Anerkennung als Meisterwerk der Präraffaeliten-Bewegung. Ihre eindringliche Schönheit und die komplexen Details fesseln das Publikum. Ihre Darstellung weiblicher Trauer findet über Generationen hinweg Anklang. Eine junge Frau betrachtet das Gemälde. „Sie sieht so gelassen und doch so tragisch aus. Es ist atemberaubend. Millais hat etwas Universelles über Verlust und Schönheit eingefangen.“ Kunstfakt: Ophelia ist ein Zeugnis von Millais' künstlerischem Können und demonstriert seinen nachhaltigen Einfluss und künstlerischen Erfolg.

„Ophelia“ inspiriert weiterhin Künstler, Schriftsteller und Träumer. Ihr Bild, zwischen Leben und Tod schwebend, verkörpert die anhaltende Kraft der Kunst, die menschliche Verfassung einzufangen. Millais' Vision lebt weiter und erinnert uns an die zerbrechliche Schönheit des Lebens und die Unvermeidlichkeit des Leidens. Sein Werk überlebt für immer, denn, wie Vincent van Gogh sagte: „Ich träume mein Gemälde, und dann male ich meinen Traum.“ Ein Galeriekurator flüstert, während er die Menge beobachtet, die Ophelia bewundert: „Sie bleibt zwischen den Welten schweben, ein ewiges Echo von Schönheit und Leid ... ein Meisterwerk, das niemals verblassen wird.“ Kunstfakt: Millais' Vision lebt weiter und erinnert uns an die zerbrechliche Schönheit des Lebens und die Unvermeidlichkeit des Leidens.